Arquivo da categoria: Filmes

Versão em Português

News of Benny Chan passing away last August came as a shock to all fans of Hong Kong cinema. I wouldn’t count him as one of my favorite local filmmakers or anything, but he was one of the more consistent action directors of the past three decades and his filmography has given me many moments of pleasure through the years. As I often defend that film history shouldn’t be limited to masterpiece hunting, it seems worth to pay some attention to a “minor” filmmaker like Chan. His filmography is a particularly fascinating mirror of the past three decades of local filmmaking as his early work was heavily involved with a few heavy-hitters (Johnnie To, Tsui Hark, Jackie Chan, Jeffrey Lau) and he later would be directly involved with attempts at the more cleaner action style of the early handover years and in the past decade after the local industry raised the white flag and mostly accepted to be assimilated by mainland film industry becomes one of the few filmmakers working with good budgets whose movies from the stars to their idiosyncrasies still suggested Hong Kong cinema first. It is an intriguing movement as midway through Chan’s career his name likely bring to mind to quite a few western fans “the decay of Hong Kong film” with his association with bland young stars, streamlined narratives and the lack of intensity one might associate with Woo or Tsui, as someone who thought people was unkind to Chan at the time, 15 years later he feels far more clear like his own man and if he will probably be more artisan than auteur, he was around Hong Kong sets when a lot of interesting moments and performances happened and that counts for a lot for me.    

English version here

A notícia da morte de Benny Chan no último mês de agosto pegou a todos os fãs do cinema de Hong Kong de surpresa. Eu não diria que ele era um dos meus diretores locais favoritos ou nada do tipo, mas ele é um dos diretores de filme de ação mais consistentes das últimas três décadas e seus filmes me proporcionaram muitos momentos de prazer. Como sempre defendo que história do cinema não deveria se limitar a caça de obras primas, me parece relevante prestar atenção a um cineasta “menor” como Chan. A sua filmografia é um espelho particularmente fascinante das últimas três décadas do cinema local, já que seus primeiros filmes são muito diretamente associados a alguns figurões (Johnnie To, Tsui Hark, Jackie Chan, Jeffrey Lau) e ele depois estaria diretamente envolvido em tentativas de desenvolver um estilo de ação mais limpo nos primeiros anos após a devolução a China, e na última década depois que a indústria de Hong Kong hasteou a bandeira branca e majoritariamente aceitou ser absorvida pela indústria da China continental, ele se tornou um dos poucos cineastas trabalhando com bons orçamentos cujos filmes das estrelas as suas idiossincrasias ainda sugeriam o cinema de Hong Kong antes de mais nada. É um movimento intrigante já que pela metade da carreira de Chan seu nome provavelmente trazia a cinéfilos ocidentais uma referência direta a “decadência do cinema de Hong Kong” com sua associação a jovens estrelas sem sal, narrativas simplificadas e a falta de intensidade que pode se associar a um  Woo ou Tsui, como alguém que achava que se era cruel com Chan naquela época, 15 anos depois ele me parece muito mais claramente um cineasta distinto e se ele será sempre visto mais um artesão do que autor, ele estava em sets de Hong Kong quando muitos momentos e atuações interessantes aconteceram e isto conta bastante para mim.   

Escrevi essa crítica de Tatuagem para a Cinética quando o filme teve as primeiras exibições públicas no Festival do Rio de 2013, como ele segue muito popular e entrou no Netflix achei boa ideia repostar aqui no blog.

Tatuagem, de Hilton Lacerda, se encerra na estreia de um filme experimental protagonizado pelo grupo de artistas no centro do filme e dirigido por um intelectual amigo deles, mantido sempre às margens da ação. Há um tom agridoce nas imagens deste filme dentro do filme que sugere menos um pastiche deste tipo de cinema do que um último super-8 perdido filmado entre amigos, suas imagens transbordando uma nostalgia que trai o quanto elas só podem pertencer a 2013. São imagens que dizem muito sobre o projeto de cinema de Tatuagem: trata-se, afinal, de um filme que se desdobra sobre um universo visivelmente caro ao seu diretor, que não perde um plano como oportunidade de declarar seu afeto por tudo que transpõe para a tela.

Versão em português

It was a strange year, but still I’ve seen a lot of films and plenty of good ones. I think the end of the list is a little weaker than last year’s, but I decided it was better to keep the number and anyway I like every film and they are worth seeing. As usual the criteria is films seen for the first time through this year that get their first public screening in the past three years. The positions don’t matter much, I certainly like 32nd more than 52nd but I’m not sure if I like it better than the 34th, so they are more organized by zones than positions.

First this year’s shorts: my favorite one was Joshua R. Troxler’s If You Could Go Back, I Would See Her. A fascinating investigation on digital images through some essential elements. Another ten shorts that I loved: Corman’s Eyedrops Got Me Too Crazy (Ivan Cardoso), La France Contre les Robots (Jean-Marie Straub), Garden City Beautiful (Ben Balcom), Now, at Last (Ben Rivers), On an Island (José Luis Guerin), Personal Growth (Maximilian Le Cain, Vicky Langan), República (Grace Passô), Sebastian and Jonas Leaving the Party (Ken Jacobs), A Story From Africa (Billy Woodberry), The White Death of the Black Wizard (Rodrigo Ribeiro).

English version

Foi um ano muito estranho, mas ainda assim muitos filmes vistos e muita coisa boa. Creio que a parte final da lista é um tanto pior que a do ano passado, mas achei por bem manter o número e são todos filmes que eu gosto e merecem ser vistos.  Como sempre o critério são filmes vistos pela primeira vez este ano exibidos pela primeira vez nos últimos três anos. As posições não importam tanto certamente gosto do 32º mais do 52º mas não tenho certeza de que gosto dele mais que do 34º, então os filmes estão mais organizados por áreas que posições.

Primeiramente os curtas: o meu curta favorito do ano foi If You Could Go Back, I Would See Her. do Joshua R. Troxler uma investigação fascinante sobre imagem digital a partir de alguns elementos essenciais. Outros dez curtas de grande impacto: O Colírio de Corman me Deixou Doido Demais (Ivan Cardoso), De Una Isla (José Luis Guerin), La France Contre les Robots (Jean-Marie Straub), Garden City Beautiful (Ben Balcom), A Morte Branca do Feiticeiro Negro (Rodrigo Ribeiro), Now, At Last (Ben Rivers), Personal Growth (Maximilian Le Cain, Vicky Langan), República (Grace Passô), Sebastian and Jonas Leaving the Party (Ken Jacobs), A Story From Africa (Billy Woodberry).

Part 1
Part 2
Part 3
Versão em português

Last part of the festival coverage with films seen in its last few days plus some final observations.

Chico Rei Among Us (Joyce Prado)
Early on Chico Rei Among Us, one of the interview subjects talk about how hard it is to establish Chico Rei history with official historians because they are obsessed with documented truth. That is something that Brazilian Black history Always marginalized and erased often lacks. Joyce Prado’s documentary uses Chico Rei exactly to deal with this erasure and the many ways Brazilian official history follows a whitewashing process that systematizes this erasure of Black roles in diverse areas like their contributions to mining engineering or the origins of São Paulo neighborhood Liberdade (now known as the Japanese neighborhood but the site of the early Black quilombos). Director Prado moves with great ease between the believe on oral history, strong research and smart editing. It is a film that Works well the places of contact among religion, economy and race throughout the country’s history.

Primeira parte
Segunda parte
Terceira parte
English version

Parte final da cobertura da Mostra com os filmes vistos nos últimos dias do evento e uma observação geral.

O Ano da Morte de Ricardo Reis (João Botelho)
Ao longo de quatro décadas João Botelho vem tocado um projeto maneirista com um gosto pelo artifício e gesto teatral que não está muito distante de outros colegas portugueses, as vezes dá mais ou menos certo (o filme que ele fez a partir de Os Maias que passou na Mostra de 2013), as vezes soa só aborrecido (como quando filmou Pessoa em O Filme do Desassossego em 2010). Aqui filma um romance de Saramago sobre Pessoa e seu pseudônimo Ricardo Reis no momento que a Europa mergulha no fascismo e se o material está a mão, o filme vai aos poucos afundando no auto referencial do tique autoral que reforça que Botelho pode sonhar com Oliveira, mas existe como uma cópia pálida e sem vida.

Part 1
Part 2
Part 4
Versão em português

Third part of the festival coverage with films seen between Thursday, 29 and Sunday 1^st.

Ana. Sem Titulo (Lucia Murat)
Lucia Murat has been working within variations of this material since her first feature Que Bom Te Ver Viva in 1989. An effort to find a historical perspective for 20th century Latin American left. Among the movies she made in such manner Ana. Sem Título seems to me among the strongest exactly because it moves very well between fiction and documented history so it use art to allow this history to reverberate in the present. It finds very good solutions to tie its investigative work and a desire to take into account both the traumas a legacy of resistance.

Primeira Parte
Segunda Parte
Quarta Parte
English Version

Terceira parte da cobertura da Mostra com os filmes vistos entre a quinta, 29 e o Domingo, 1.

Ana. Sem Título (Lucia Murat)
Lucia Murat vem trabalhando com variações deste material desde os tempos de Que Bom Te Ver Viva. Um esforço de encontrar uma perspectiva histórica para a esquerda latino-americana do século XX. Entre os filmes que ela realizou nessa chave este Ana. Sem Título me parece um dos mais fortes justamente porque se move muito bem entre a ficção e documento histórico de forma a fazer a usar arte para permitir esta história ecoar no presente. O filme consegue encontrar boas soluções para casar o seu trabalho investigativo e o desejo de dar conta tanto dos traumas como um legado de resistência.

Versão em portugues
Part 1
Part 3
Part 4

Second post with commentary on films seen at the São Paulo Film Festival betwen Monday, 26 and Wednesday, 28.

#Eagoraoque (Jean-Claude Bernardet e Rubens Rewald)
If film critic/historian Jean-Claude Bernardet is a co-auteur who dominates all the movies by Young São Paulo filmmakers he colaborate ons ince 2008 Filmefobia, it makes sense that he eventually moved to a co-director chair. Bernardet’s fetishism is the interest and limitation of almost all those movies, filmmakers giving na openingso the critic-performer works, on this #Eagoraoque Bernardet and Rewald start from a dialogue/discourse failure of contemporary Brazil to arrive into yet another exercise-performance from Bernardet. At first one might think it will be some sort of extension of Intervenção, a film made of You Tube videos of extreme right wingers that Rewald co-directed a few years ago, this time focusing on matters relating to thr left and there’s a suggestion of that when the filmmakers throw a few challenges for leftist philosopher/newspaper columnist Vladimir Safatle who “plays” one of the main characters, but #Eagoraoque is little more than a symptom of what it a diagnoses. A halted film that at best reproduces the failures of dialogue at its center and at worst exploits them for some very sterile performative games. The mirror is broken and what is left is everyone’s narcissism. 

English version
Primeira parte
Terceira parte
Quarta parte

Segundo post com comentários sobre filmes vistos na Mostra entre a segunda, 26 e a quarta, 28.

#Eagoraoque (Jean-Claude Bernardet, Rubens Rewald)
Se Jean-Claude Bernardet é co-autor que domina quase todos os filmes dos jovens realizadores paulistas com quem colaborou desde Filmefobia, faz sentido que eventualmente ele assumisse a co-direção. O fetiche Bernardet é o interesse e limite de quase todos esses filmes, realizadores cedendo a plataforma para que o crítico-performer trabalhe, neste #Eagoraoque Bernardet e Rewald partem da falência dialogo/discurso do Brasil contemporâneo para chegar em outro exercício-performance de Bernardet. A princípio podemos imaginar que se trata de algum tipo de extensão do Intervenção que Rewald co-dirigiu alguns atrás, dessa vez focado as esquerdas e há rascunhos disso quando os realizadores jogam algumas armadilhas para o Vladimir Safatle que “interpreta” um dos personagens centrais, mas #Eagoraoque é pouco mais que um sintoma do que diagnostica. Um filme travado que na melhor das hipóteses só reproduz a própria falência de diálogo que está no seu centro e no pior a explora para mais jogos estéreis de performance. O espelho está quebrado e o que resta é o narcisismo de todas as partes.  

Versão em portugues aqui
Part 2
Part 3
Part 4

This is my first post covering the films from the São Paulo International Film Festival with films seen between Friday, 23 and Sunday, 25.

Days (Tsai Ming-liang)
Since announcing his “retirement” around the time of Stray Dogs, Tsai Ming-liang  free from the needs of pretending to deal with narrative has been concentrating more and more in the physical presence and face of his muse Lee Kang-sheng. Days is in such way a culmination of a decade long increasing austere aesthetic investigation. If how Lee Kang-sheng lives in the world is the motif that dominates Tsai’s cinema for three decades now, the manner if which he captures the tactile physicality of this negotiation is even more radical. When I wrote about the earlier Your Face I mentioned how Tsai’s cinema was getting closer to Abbas Kiarostami and Eduardo Coutinho (filmmakers of existence, of acting as a way of being) and Days only reinforces such an idea Lee’s existence negotiates his presence with the camera all the time. It is curious how the most banal of his everyday moments brings to mind the apocalyptical musicals The Hole and Wayward Clouds almost without trying. The long massage sequence is one of the greatest of Tsai’s career.

English version here
Segunda parte
Terceira parte
Quarta parte

Primeiro post com os filmes da Mostra cobrindo os vistos entre sexta, 23 e domingo, 25, alem de dois filmes vistos antes do evento começar.

Casa das Antiguidades (João Paulo Miranda Maria)
Casa das Antiguidades chegou por aqui chancelado por muitos elogios vindos da sua carreira em festivais internacionais, mas a julgar pelas conversas com amigos a recepção nessa estreia brasileira foi bem mais fria. Um filme fantástico com um pé no folclore e outro na assombração sobre a permanência do racismo e exploração na sociedade brasileira como m todo e no sul em particular. As referências são mais próximas as de Apichatpong do que filme de horror apesar da atmosfera constante de paranoia e ameaça. Casa das Antiguidades tem um elemento de força inegável que é a presença do veterano Antônio Pitanga que não fazia um papel central no cinema brasileiro a muito tempo e consegue alguns momentos inegáveis enquanto absorve a sua posição. Como um solo de Pitanga o filme tem seu interesse. A direção de João Paulo Miranda Maria é de um controle sistemático que sufoca Pitanga tanto quanto a sociedade sulista que ele precisa lidar. O filme faz pensar as vezes no cinema do Felipe Bragança, mas meio que vai na direção aposta, se Bragança lida com o mesmo universo de referências internacionais e desejo de carnavalizar a sociedade brasileira, seus filmes tendem a ser extremamente soltos, o filme de Miranda Maria é de um academicismo opressor que termina por eliminar qualquer potência inerente ao materal e a atuação de Pitanga.

Versão em português aqui

With all the attention Brazilian media has given to Pelé’s 80th birthday, it is useful to look back to 1963, when Brazilian cinema dedicated a docudrama for him. O Rei Pelé (The King Pelé) was directed by the great Argentinian filmmaker Carlos Hugo Christensen (who stayed a quarter of century around here), with dialogues by Nelson Rodrigues (Brazil’s most celebrated playwright) e and Pele himself on screen in the adult scenes.

English version here

Com toda a atenção dada pela mídia brasileira aos 80 anos de Pelé, é justa apontar que lá atrás em 1963, o cinema brasileiro dedicou-lhe um docudrama no calor do momento. O Rei Pelé foi dirigido pelo ótimo cineasta argentino Carlos Hugo Christensen (que passou um quarto de século por aqui), com diálogos do Nelson Rodrigues (o argumento é do Benedito Ruy Barbosa) e o próprio Pele em cena na vida adulta.