Anotacões de um Cinéfilo

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A few weeks ago, there was a Clint Eastwood retrospective in Rio, and I ended up thinking not about the many highlights of his filmography, but what I think is the worst movie he signed as a director: 1990’s The Rookie. Why talk about a bad movie that barely anyone has thought about beyond late-night cable fodder for some 30 years? I’m not sure, but I think Clint Eastwood is a major artist, and so his missteps can be intriguing. People who like to caricature auteurism often act like it is about excusing lesser work, but it is mostly a way to think about movies and get something more out of them, so The Rookie is a bad movie, sometimes a very bad one, but it is also a Clint Eastwood movie and its connections to the movies around it make it more worthwhile to ponder about, if not necessarily to watch, than some other workman-like action movies from around 1990.

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Há algumas semanas, o grupo Estação promoveu a primeira parte de uma retrospectiva ampla de Clint Eastwood no Rio, e acabei pensando não nos muitos destaques de sua filmografia, mas no que considero o pior filme que ele assinou como diretor: The Rookie-Um Profissional do Perigo, de 1990. Por que falar de um filme ruim sobre o qual quase ninguém pensou, além de ser exibições tarde da noite de TV a cabo, pelos últimos 30 anos? Não tenho certeza, mas acho que Clint Eastwood é um artista importante e, portanto, seus erros podem ser intrigantes. As pessoas que gostam de caricaturar o autorismo muitas vezes agem como se ele servisse para desculpar trabalhos inferiores, mas é principalmente uma maneira de pensar sobre os filmes e extrair algo mais deles. Assim, Rookie é um filme ruim, às vezes bem ruim, mas também é um filme de Clint Eastwood e suas conexões com os filmes ao redor fazem com que valha mais a pena refletir sobre ele, se não necessariamente assisti-lo, do que alguns outros filmes de ação competentes feitos por volta de 1990.

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Francis Ford Coppola turned 85 a week ago, and he has been all over the news with his comeback movie Megalopolis, a $100 million production he financed from his own pocket, due to premiere next month in Cannes and a constant target of hit pieces from the Hollywood press. There are few things Hollywood people dislike more than a crazy guy deciding to burn down his own money; this sort of artistic hubris goes against what the industry is all about. (Coppola also lost his wife and long-time creative partner Eleanor last week, and if you have never seen her film Paris Can Wait from a few years ago, it is very nice).

Coppola remains one of the better-known Hollywood filmmakers, his image gets mixed up with that of New Hollywood, but also one full of films that are underseen and even more underdiscussed, and there’s a lot worth pondering about them too. I love Coppola movies and often have a very eccentric taste in them because I love even more the ugly ducklings in his filmography. He is a popular artist who takes some very alienating risks, and he is often even more interesting to think about in the half-successes that come from that. So instead of writing a long article, I decided to go feature by feature covering everything from Apocalypse Now to Jack, 22 movies, his short entry for New York Stories and a few words on Wenders’ Hammett and Coppola’s short stint as a movie mogul.  

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Francis Ford Coppola completou 85 anos há uma semana e tem estado em todos nas manchetes constantemente nos últimos meses com seu filme de retorno, Megalopolis, uma produção de 100 milhões de dólares que ele financiou do próprio bolso, com estreia prevista para o próximo mês em Cannes e alvo constante de ataques da imprensa de Hollywood. Há poucas coisas que desagradam mais o establishment hollywoodiano do que um cara maluco que decide queimar seu próprio dinheiro; esse tipo de arrogância artística vai contra a essência do negócio. (Coppola também perdeu sua esposa e parceira criativa de longa data, Eleanor, na semana passada, e se você nunca assistiu ao filme dela Paris Pode Esperar, de alguns anos atrás, é muito legal).

Coppola continua sendo um dos cineastas mais conhecidos de Hollywood, sua imagem se confunde com a da Nova Hollywood dos anos 70, mas também é um cineasta repleto de filmes pouco vistos e ainda menos discutidos, e vale a pena refletir sobre eles também. Adoro os filmes de Coppola e geralmente tenho um gosto muito excêntrico para com eles, porque gosto ainda mais dos patinhos feios de sua filmografia. Ele é um artista popular que assume alguns riscos muito alienantes e, muitas vezes, é ainda mais interessante pensar sobre os sucessos parciais que resultam disso. Portanto, em vez de escrever um longo artigo, decidi falar sobre tudo filme a filme, de Apocalypse Now a Jack, 22 filmes, seu episódio para Contos de Nova York e algumas palavras sobre Hammett, de Wenders, e o curto período de Coppola como magnata do cinema.

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Last week I was reading a book I got in the used bin on my last US trip called Produced and Abandoned, a collection of reviews of 70s/80s “underrated” movies put out by the National Society of Film Critics, and that made me think about the passing of time and movies original reception as it is mostly a collection of movies who got some strong critical push that for one reason or another never found an audience at their time (multiple Jonathan Demme movies, for instance) with the very rare personal idiosyncrasy like J Hoberman on Jerry Lewis’ Smorgasbord. The 1970s selection can be a little more adventurous, but the 1980s ones are very safe if you are old enough to have read a decent amount of criticism of the period. There’s no Heaven’s Gate or The Thing kind of movies covered, if a review has made into the book, the author is unlikely to have his opinion pushed hard in any critics meeting.

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Passei a semana passada lendo um livro que peguei num sebo na minha última viagem aos EUA chamado Produced and Abandoned, uma coletânea de críticas de filmes “subestimados” dos anos 70/80 publicada pela National Society of Film Critics (uma espécie de Abraccine local), e isso me fez pensar sobre a passagem do tempo e a recepção original dos filmes, já que é uma coletânea de filmes que tiveram um forte apoio da crítica e que, por um motivo ou outro, nunca encontraram um público na época (vários filmes de Jonathan Demme, por exemplo), com algumas raríssima idiossincrasia pessoais, como J Hoberman sobre Smorgasbord, de Jerry Lewis. A seleção dos anos 70 pode ser um pouco mais arriscada, mas a dos anos 80 é muito segura se você tiver idade suficiente para ter lido uma quantidade razoável de críticas do período. Não há filmes do tipo O portal do Paraíso ou O Enigma do Outro Mundo cobertos; se um texto foi incluído no livro, é improvável que o autor tivesse sua opinião especialmente questionada em qualquer reunião de críticos.

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I’ve been publishing a version of this list for 15 years now and I have to admit that for the last five at the beginning of December I’ve always wondered “should I retire the list?”. When I started it in 2008 along the lines that I still follow today (films from the last three years, seen for the first time during the year), my desire was to center it on my personal experience and leave aside the rules of the business as much as possible, something which was bound to fail to some extent. The logic that guides current film discourse ensures that in the end everything ends up somewhat commodified, a plague that is increasingly difficult to avoid.

I remember filmmaker Pierre Leon proposing that we should give new films some distance to settle away from the discourse around them and maybe we should indeed watch and ponder about the films of 2023 in 2028, it would be fairer to them and healthier for us. For my part, I like making lists, I like the ludic side of cinephilia that they represent, and although I have sympathy for the arguments about the limits and issues of canons, it seems to me that the best answer to them is to imagine a more wide-ranging gaze towards cinema and that is something that easier done through practice.

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Eu publiquei uma versão desta lista regularmente já faz 15 anos e devo admitir que pelos últimos 5 no começo de Dezembro sempre me aparece a mesma dúvida “será que devo aposentar a lista?”. Quando eu comecei a publicá-la em 2008 nos moldes que faço até hoje (filmes dos últimos três anos, vistos pela primeira vez ao longo do ano), o desejo era centrar ela na minha experiência pessoal e deixar de lado ao máximo possível as regras do mercado, o que não deixa de ser um algo fadado ao fracasso até certo ponto. A lógica que rege o discurso cinematográfico contemporâneo meio que garante que no final das contas tudo termina um tanto mercantilizado, uma praga cada vez mais difícil de se evitar. 

Lembro-me do cineasta Pierre Leon sugerindo numa entrevista dar uma distância para que os filmes novos assentem para longe dos discursos em torno deles e talvez devêssemos realmente ver e considerar os filmes de 2023 em 2028, seria mais justo para com eles e mais saudável para nós. Da minha parte eu gosto de fazer listas, gosto do lado lúdico da cinefilia que elas representam, e apesar de ter simpatia pelos argumentos sobre os limites e problemas de cânones, me parece que a melhor solução para eles e tentar imaginar um olhar mais amplo para com o cinema e isto é mais fácil numa prática direta.

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I sometimes feel like if I get to write about everything I want on this place, the blog would turn into an altar of the dead. Every other week, some film artist I care deeply about seems to be passing (I still hope to write something about Jacques Rozier for instance), as a reminder that a cinema in which I’m very emotionally involved is reaching its natural end when it’s not already mostly forgotten by the powers that be outside late career homages. This is all to say that William Friedkin passed away yesterday, and I’ve been obsessing and writing about his movies a lot through the years. Friedkin has a new movie coming out next month at the Venice Film Festival, a new adaptation of Herman Woulk’s The Caine Mutiny Court-Martial, his first fictional movie in over a decade, but while he didn’t have new work to share with us, he did through those past few years be very present. He wrote an autobiography, The Friedkin Connection, that will rightly live as part of the canon of filmmakers tell-alls, he kept getting homages and giving masterclasses; and he was very present on social media. The aging Friedkin loved to talk about himself, and people do love an old guy who is so blunt with his own brand of truth. It is the kind of late career that happens for too many major artists, even more so when they are the kind of insider-outsider maverick that Friedkin represented so well. Listening to Friedkin talk is great fun (I’m still disappointed an ear infection made him cancel a trip to São Paulo in 2016), but I wish we paid homage to Friedkin by allowing him to make another 2-3 features, even if it turns out I didn’t like them that much at our first meeting.

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Às vezes, sinto que se eu conseguisse escrever sobre tudo o que quero neste lugar, o blog se transformaria em um altar dos mortos. A cada duas semanas, algum artista de cinema com o qual me importo profundamente parece estar morrendo (ainda espero escrever algo sobre Jacques Rozier, por exemplo), como um lembrete de que um cinema no qual estou muito envolvido emocionalmente está chegando ao seu fim natural, quando já não foi esquecido pelos detentores do poder para além das homenagens habituais de fim de carreira. Isso tudo para dizer que William Friedkin faleceu ontem, e eu sempre fui obcecado e escrevi muito sobre seus filmes ao longo dos anos. Friedkin tem um novo filme que será lançado no próximo mês no Festival de Cinema de Veneza, uma nova adaptação de The Caine Mutiny Court-Martial, de Herman Woulk, seu primeiro filme de ficção em mais de uma década, mas, embora não tivesse novos trabalhos para compartilhar conosco, ele esteve muito presente nos últimos anos. Escreveu uma autobiografia, The Friedkin Connection, que se tornará parte do cânone de relatos de cineastas, continuou recebendo homenagens e dando aulas magnas, e esteve muito presente nas redes sociais. O Friedkin dos últimos anos adorava falar sobre si mesmo, e as pessoas amam um velho que é tão franco com sua própria forma de verdade. É o tipo de final de carreira que acontece com muita frequência para artistas importantes, ainda mais quando eles são o tipo excêntrico com um pé dentro e fora da indústria que Friedkin representava tão bem. Ouvir Friedkin falar é muito divertido (ainda estou decepcionado por uma infecção no ouvido ter feito com que ele cancelasse uma viagem a São Paulo em 2016), mas gostaria que nós o tivéssemos homenageado permitindo que ele fizesse mais 2 ou 3 longas-metragens, mesmo que eu não gostasse tanto deles em nosso primeiro encontro.

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A couple weeks ago, Kino Lorber put out a blu-ray for Tomahawk, a 1951 western directed by genre specialist George Sherman. I like Tomahawk a lot, otherwise I wouldn’t be writing about it, but one of the reasons I’d like to talk about it is that Tomahawk is such a good example of a very particular 50s subgenre of generally progressive western that tries to show a sympathetic eye for Native American tribes during the west expansion years.

I mentioned Sherman, a fine filmmaker who did a lot of good westerns from the 30s through early 70s, but this genre was foremost the work of Universal, where he was usually employed during the 50s. Universal had a huge hit with James Stewart starrer Delmer Daves directed Broken Arrow in the previous year and located a market deficiency: people were watching westerns in record numbers in the decade after World War II and among this large audience there was a part of it willing to see movies between cavalry and Indians that show the latter point of view and so they keep churning at least one of those every year. Universal averaged over 10 westerns a year in the 50s, by far the most among any studio in those western dominated days, so this was not hard. Besides Tomahawk, Sherman himself did The Battle at Apache Pass (1952, a semi official sequel for Broken Arrow), Chief Crazy Horse (1955) and the independent made Comanche (1956) and other better known directors like Budd Boetticher (Seminole, 1953) or Douglas Sirk (Taza, Son of Cochise, 1954) tried their hand in it for Universal while a few other studios would put out movies like Pony Soldier (1952) or Sitting Bull (1954) that follow the format closely.

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Há algumas semanas, o selo americano Kino Lorber lançou um blu-ray de Tomahawk, um western de 1951 dirigido pelo especialista do gênero George Sherman. Eu gosto muito de Tomahawk, caso contrário eu não escreveria sobre ele, mas uma das razões sobre as quais eu gostaria de falar é que trata-se de um bom exemplo de um subgênero muito particular de western dos anos 50 geralmente progressista que tenta mostrar um olho simpático para as tribos nativo americanas nos anos da expansão do oeste.

Mencionei Sherman, um bom cineasta que fez muitos westerns de qualidade dos anos 30 até o início dos anos 70, mas este gênero era antes de tudo trabalho da Universal, onde ele era normalmente empregado durante aqueles dias. O estúdio teve um grande sucesso com Broken Arrow um faroeste protagonizado por James Stewart e dirigido por Delmer Daves no ano anterior e localizou ali uma deficiência de mercado, as pessoas estavam assistindo westerns em número recorde na década após a Segunda Guerra Mundial e entre este grande público havia aqueles dispostos a ver filmes entre a cavalaria e os índios que mostravam o ponto de vista destes últimos e assim eles continuaram a produzir pelo menos um desses faroestes a cada ano. A Universal produziu em média mais de 10 westerns por ano nos anos 50, de longe o maior número entre todos os estúdios naqueles dias dominados pelo gênero, portanto, um ou dois destes por ano não era algo difícil. Além de Tomahawk, o próprio Sherman fez The Battle at Apache Pass (1952, uma seqüência semi-oficial de Broken Arrow), Chief Crazy Horse (1955) e o independente Comanche (1956) e outros diretores mais conhecidos como Budd Boetticher (Seminole, 1953) ou Douglas Sirk (Taza, Son of Cochise, 1954) tentaram a mão nele para Universal, enquanto alguns outros estúdios lançavam filmes como Pony Soldier (1952) ou Sitting Bull (1954) que seguiam o formato de perto.

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As usual a few rules: this list includes movies I’ve seen for the first time in 2022 who got their first public screening in the last three years and are over 45 minutes long. The order, like any similar list, is very arbitrary and subjective, I certainly like #22 more than #42 and that one more than #82, but I could easily switch them with movies placed around those positions.

I saw fewer shorts this year than usual, so I feel less comfortable making a longer list of them, but my two favorites were earthearthearth (Daichi Saito) and Wandering (Tsai Ming-liang).

100) Love Lights/Objectos de Luz (Acacio de Almeida, Marie Carré)
Acacio de Almeida is one of Portuguese film great cinematographers, and therefore of the world, on Love Lights, he and his co-director Marie Carré launch into an essay on lighting that doubles as an affective history of Portuguese cinema.

99) Baragaki: Unbroken Samurai (Masato Harada)
A classy samurai movie, revisionista but to a point, about the Shinsengumi which in this version seems involved in as much political intrigue and betrayals as a yakuza movie.

98) Aftersun (Charlotte Wells)
I think it is a little more dependent on needle drops than ideal, but there’s a specificity to its father/daughter relationship and on its plugging into memory that keeps it forceful.

97) Lingui: les liens sacrés (Mahamat-Saleh Haroun)
A dry, very controlled movie about resistant faces moving through a social space that can be punishing without the movie ever giving up to it.

96) When the House Burns Down/Quand la maison brûle (Nicolas Klotz, Elisabeth Perceval)
Another movie about faces and bodies of resistance, this one collected by Klotz/Perceval duo around the world and organized as a large painting that slowly gets richer.

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Como sempre algumas regras: a lista inclui filmes que eu vi pela primeira vez em 2022, exibidos pela primeira vez nos últimos três anos e que tenham mais 45 minutos. A ordem como qualquer lista do gênero é bastante aberta e subjetiva, eu certamente prefiro o o #22 ao #42 e este ao #82, mas eles poderiam trocar facilmente de posição com filmes mais próximos deles.

Vi menos curtas este ano do que nos últimos, então fico menos à vontade de fazer uma lista ampla deles, mas meus favoritos foram eathearthearth (Daichi Saito) e Wandering (Tsai Ming-liang).

100) Objectos de Luz (Acácio de Almeida, Marie Carré)
Acácio de Almeida é um dos grandes fotógrafos do cinema português, e logo do mundo, aqui ele e sua co-diretora Marie Carré se lançam numa reflexão sobre iluminar que se desdobra numa história afetiva do cinema português.

99) Baragaki: Unbroken Samurai (Masato Harada)
Filme de samurai classudo, revisionista, mas nem tanto, é sobre os Shinsengumi que nesta versão estão envolvidos em tantas intrigas políticas e traições quanto um filme de yakuza.

98) Aftersun (Charlotte Wells)
Acho o filme um tanto mais dependente das escolhas musicais do que o ideal, mas tem uma especificidade na relação filha/pai e neste vasculhar de memórias que lhe dá uma energia particular.

97) Lingui: les liens sacrés (Mahamat-Saleh Haroun)
Um filme seco e muito controlado sobre rostos resistentes se movendo num espaço social que é punitivo sem que o filme se renda a ele.

96) Quand la maison brûle (Nicolas Klotz, Elisabeth Perceval)
Outro filme sobre rostos e corpos de resistência que o casal Klotz/Perceval colhe pelo mundo todo, incluindo aqui, e organiza como uma pintura ampla que aos poucos se enriquece.

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