Aquela marca de “Desde 1952” representa todo o capital cultural ali investido. Agora que a noticia de quem a intervenção estatal naufragou certamente ouviremos novos lamentos. São quase 60 anos de história, um nome bonito, bela localização ali em frente ao também fechado (e até hoje vazio) Riviera.  È bonito lamentar o fim dos Belas Artes, checo pelo Facebook e vejo que a comunidade contra seu fechamento tem 115 mil adesões! É sempre bom chorar a substituição de um espaço de troca cultural por alguma loja de conveniência genérica.

Fico porém pensado naquele “Desde 1952” e a idéia de capital cultural. O outro lado nunca mencionado nestas vigílias, é que o Belas Artes era sobre certos aspectos a pior sala de cinema de São Paulo. Muito bem programada sem dúvidas, mas com péssima projeção, péssimo som (vi filme lá com um canal inteiro a desaparecer), péssimas poltronas, etc. Tudo isso pelo preço de outros espaços “de arte” como o Unibanco ou Reserva Cultural. Depois de muito chorar seu risco de fechar e mobilizar a sociedade paulistana, arranjou-se um patrocinio do HSBC e os administradores pegaram ele e investiram em algumas mudanças cosméticas no saguão. Afinal, é isto que importa, não os filmes. A despeito de toda a sua história o Belas Artes como diria um amigo cineasta aqui de São Paulo é só mais um “cine bistrô neoliberal”, com a diferença que estas outras salas todas te entregam  um produto que prometem melhor.

Toda vez que alguém toca no assunto Belas Artes me vêm sempre a cabeça o Gemini. É impossível separá-los. Quando Gemini fechou ano passado fiz um post aqui no blog e mencionei na época que para mim era algo mais trágico que um possível fim do Belas Artes. Meu apego ao Gemini tem certamente um valor nostálgico tanto quanto o de muita gente ao Belas Artes, era uma sala de cinema velha que me lembrava as salas de cinema que eu ia na infância e na adolescência, antes do Cinemark iniciar o processo de pasteurizar todas as salas de cinema. O que mais eu gostava no Gemini porém era outra coisa: sua curiosa democracia. Explico Gemini nunca foi uma sala de cinema programada, passava-se lá o que sobrava, fosse esta sobra Bressane, fosse Harry Potter. O que unia os filmes que passavam no Gemini era que eram filmes para qual aquela altura o mercado já não se interessava (quando um filme como o Bug do Friedkin estreava lá na sua primeira semana, você sabia que aquele filme estava em apuros com o mercado exibidor paulistano). Era uma sala pobre, mas honesta, passava sempre uns 4 filmes, dos quais geralmente só um era bom, mas fazia aquele serviço que ninguém mais prestava de postergar a carreira comercial de todo e qualquer tipo de filme. O que evidentemente o Gemini não tinha é que sobra ao Belas Artes, a história, o nome, a associação com uma outra São Paulo, em suma o capital cultural do “Desde 1952”.

O Gemini fechou a mais de um ano, não houve passeatas ou abaixo-assinados não existe sequer uma comunidade do Facebook do tipo “Gemini – passei por lá”. A sala está lá  esquecida numa galeria da Paulista.  O mercado é cruel sempre. Me chateia o fim do Belas Artes, me sinto mal passando ali na frente quase todas as noites, certamente era melhor para a cidade que o espaço ao menos existisse por mais mau administrado que ele fosse. Mas também me sinto incomodado quando vejo as manifestações a seu respeito e me lembro de todas as outras salas aqui de São Paulo que eu vi fechar e as quais a sociedade nada fez (pensemos, por exemplo, no Studio Alvorada e no Astor substituidos por este monstrengo de consumismo elegante chamado Livraria Cultura, que vamos todos visitar regularmente). É cruel a lógica do capital cultural, muito porque a sua palavra mais importante não é cultura.

Sorelle Mai, de Marco Bellocchio, um dos destaques da 35o Mostra

É estranho partir em defesa da Mostra já que em muitas outras oportunidades critiquei decisões deles, mas a choradeira entorno da decisão do evento em se limitar a filmes inéditos no país é fora de propósito. Em si mesmo não é uma boa decisão já que é muito limitadora e deixa na mão o que deveria ser o principal público da Mostra: o cinéfilo paulistano que não tem disposições e/ou condições de acompanhar outros grandes eventos de cinema dentro e fora do país. Há por outro uma série de benefícios:

a)      Reduzi r o tamanho da Mostra é algo muito bem vindo. Como a maioria dos eventos do gênero a Mostra a muito tempo sofre de certo gigantismo. Parece uma tendência inevitável, logo é muito bem vindo o esforço dos organizadores de colocar um freio no processo.

b)      Tem o efeito de focar mais atenção nos filmes e menos na corrida para ver tudo antes.

O segundo ponto merece ser elaborado. Junto com a noticia do ineditismo veio também a informação de que a Mostra não exibiria mais filmes em DVCAM. Não me parecem informações independentes. Na hora que se aceita que não se poderá mostrar tudo a corrida desesperada para fazê-lo (principal razão pela qual Festival do Rio e Mostra de São Paulo a muito haviam aberto mão de um controle de qualidade nas cópias) perde a razão de ser.  Por vezes a Mostra se reduz a pouco mais do que oportunidade de se dizer que já viu o filme do Almodovar ou a última Palma de Cannes, uma caríssima pré estréia para um ou outro filme badalado.

O maior mérito da decisão é justamente tornar explicito algo que deveria ser óbvio, mas geralmente não é: a Mostra é um excelente evento (o meu favorito aqui no Brasil), mas como painel da produção mundial ela vai ser sempre limitada já que é literalmente impossível trazer tudo de relevante e entre questões de logística e escolhas de curadoria muitos (muitos mesmo) filmes relevantes terminam não exibidos. Uma pequena história pessoal:  ano passado, eu viajei ao Rio e assisti cerca de 50 filmes, acompanhei a mostra e vi outros 50 e em Abril fui até a Buenos Aires e assisti 40. Pouco mais de 140 filmes! Apesar de 3 eventos e esta quantidade absurda de filmes, Guest de José Luis Guerin que se me perguntassem  em Janeiro de 2010 para listar os 5 filmes que eu mais aguardava no ano estaria fácil na lista não foi exibido em nenhum deles.  Antes de reclamarem que Drive ganhou prêmio de direção em Cannes e não passou na Mostra tornando ela incompleta, vai um dado desde 2000 (meu primeiro ano aqui em São Paulo) nos seguintes anos o vencedor do premio de melhor direção do Festival de Cannes não participou da seleção da Mostra: 2001, 2002, 2004, 2009 e agora em 2011. Eu tenho quase certeza que em nenhuma oportunidade neste período a Mostra (ou o Festival do Rio, por sinal) exibiu a todos os vencedores de Cannes. Por mais que os organizadores desejassem, é simplesmente muito complicado garantir a exibição de todos os 7-8 filmes que levam prêmios.

Eu poderia continuar citando outros filmes que a Mostra falhou em trazer (nenhum filme do Eric Rohmer na última década de carreira dele, por exemplo), mas o interesse aqui não é enterrar a Mostra pelo que ela não fez e só apontar que por maior que seja a seleção,  o desejo e o orçamento muitas lacunas inevitavelmente irão existir. É fácil listar os filmes que a Mostra não trouxe este ano e culpar o tal ineditismo quando se pode fazer esta lista em todos anos (há uma razão pela qual eu geralmente sempre vou ao Festival do Rio e muitos amigos cariocas fazem questão de vir aqui), olhando a lista do Festival do Rio para passar aos meus editores da Cinética o que eu poderia escrever sobre eu achei só dois filmes não comprados cujo histórico dos cineastas sugeriam como muito prováveis de vir a Mostra (Bonello e Canijo), certamente teriam outros mais, de um modo gera porém o grosso das exclusividades do Rio iam seguir exclusivas ou são de filmes cuja distribuidora decidiu priorizar o Rio. Ai esta o grande problema quando se reclama a seleção fraca na verdade, reclama-se da ausência de um Gus Van Sant ou David Cronenberg e não da seleção em si. O contrasenso evidente é que estes são filmes que tem a entrar em cartaz muito rapidamente. Salvo pelos cinéfilos de fora do eixo Rio-SP que se deslocam para cá todos os anos e que tem muito bons motivos para se chatearem pela ausência destes filmes, só perdemos de fato a possibilidade de dizer que vimos estes filmes antes. Pode-se trocá-los por outros título, pode-se reduzir o tamanho da maratona, etc.

Vejam só enquanto minhas timelines no Twitter e Facebook se enchiam de reclamações sobre o ano fraco da Mostra um amigo que viaja a festivais internacionais soltou no meu mail “parece que a Mostra ainda tem mais moral. alguns dos melhores de Berlim, Un Certain Regard e Quinzena, e mesmo da competição de Cannes, que eu estranhei não virem pro Rio, pelo visto tinham ficado mesmo pra SP”. È tudo uma questão de perspectiva.

Duas semanas atrás, o Felipe Bragança publicou um artigo no Prosa & Verso de O Globo traçando um histórico da última década do cinema brasileiro sobre o ponto de vista da “nossa” geração. É a versão mais curta de um artigo que circulou de mão em mão alguns meses atrás e que eu só conheço de descrições. É uma polemica e um manifesto que abandona os filmes em função de um esforço de historiografia do presente muito autocentrada.  As aspas do “nossa”  são literais, a história que o Felipe – que é suficientemente meu amigo para nas vésperas da sua primeira viagem de pesquisa de locação para O Céu de Suely ter pernoitado no sofá-cama da minha sala – descreve é uma que me é familiar o suficiente para reconhecê-la e filtrada  suficiente pela sensibilidade e olhar do autor para me parecer muito distante.  Como o título do texto anuncia, é a história da trajetória do Felipe em meio à critica online e depois no jovem cinema brasileiro que está narrada ali. Acho que outros críticos e cineastas que, como eu, têm certa afinidade pelo universo que Felipe descreve, devem manter a mesma ambivalência com o retrato que ele traça. Felipe já há muito assumiu para si o manto de ideólogo da sua geração. Me parece importante notar isso e, ainda mais, perceber que, se existem pontos de contato entre o filmes do Felipe e da Marina Meliande com os filmes do Bruno Safadi ou do Gabriel Mascaro ou ainda dos Pretti, Parente & Diógenes, existem também grandes distâncias que são apagadas quando Felipe assume um papel político. Se há um limite claro no artigo, é justamente distanciar-se por completo da especificidade dos filmes em função de uma mensagem de que este cinema existe e precisa ser reconhecido.

Semana passado o Carlos Alberto Mattos respondeu ao artigo de Felipe com um contra-manifesto cujas respostas me deixaram bem perturbado.  Como disse acima, acho o texto do Felipe Bragança tem propostas e limites bem claros dentro das suas qualidades e equívocos, que por si só não me fariam comentá-lo aqui. O tom do texto do CAM é de uma indulgência enorme: “vamos com calma meninos, que há uma ordem de valores do bom cinema brasileiro e não podemos atropelá-la”. É um artigo tão ideológico quanto o do Felipe, e é por isso mesmo que ler os elogios nos comentários do blog dele – inclusive vindos de pessoas que eu respeito muito como o Carlosmagno Rodrigues e a Tatiana Monassa – me deprimem muito. Não há ponto mais significativo acerca dos limites dos dois textos do que o modo como retomam a suposta importância de O Céu de Suely para a cena atual do nosso cinema. A idéia do Felipe, de que se trata de uma virada do cinema brasileiro, é bem absurda. O filme do Karim Ainouz certamente não significa nada em termos de formatos de produção (como significariam filmes como Ainda Orangotangos ou Meu Nome é Dindi) e em termos estéticos está bem abaixo de outros trabalhos de cineastas que estrearam na década (como Madame Satã do próprio Ainouz ou O Prisioneiro da Grade de Ferro, para ficarmos em dois filmes um pouco anteriores). O que O Céu de Suely efetivamente tem a seu favor dentro da narrativa do Felipe – para além de ser um filme central para a trajetória individual dele – é ser bem representativo de um diálogo mais aberto com o “cinema contemporâneo de festivais”, mas isto não é necessariamente o que o filme tem de melhor. Se há um limite claro em muitos dos filmes que o texto do Felipe pretende consagrar, é justamente que eles acabam soando como trabalhos de esforçados estudantes de tendências contemporâneas. Eleger O Céu de Suely como marco é ressaltar este cinema por algumas das suas características menos interessantes.  Já o CAM é mais direto: desautoriza a historiografia do Felipe não indo até os filmes para achar as contradições dela, mas ao dizer “Felipe parece desconsiderar o caminho aberto por Terra Estrangeira, de Walter Salles”, e assim voltamos quinze anos no tempo para elogiar como porta voz do bom cinema brasileiro um bem intencionado e competente sub-Wim Wenders feito por Walter Salles no auge do caduco conceito de retomada.

Se falamos de dois textos políticos, o olhar de Mattos não podia ficar mais claro ali: a idéia de bom cinema brasileiro está nas mãos dos nossos grandes cineastas de sucesso, como Salles ou Fernando Meirelles, passando por alguns outros nomes já reconhecidos, como o próprio Ainouz. À garotada cabe o elogio distante e a espera pela sua vez de sentar na mesa do bom cinema brasileiro: “os recentes longas da turma da Alumbramento (Ceará) trazem uma simpatia e uma busca estética a suprir parte do enorme vazio que ocupa o seu centro. Alguns mineiros têm seu charme e propõem radicalidades embasadas em talento plástico e escolhas bem definidas.”. “Uma simpatia” o “tem seu charme”: a escolha de palavras é das mais significativas. Vale dizer que quem conhece a obra do Carlos Alberto Mattos sabe que ele tem um olhar muito claro para o cinema. Basta pensarmos em alguns filmes que ele agraciou recentemente com a cotação mínima no blog dele, como Filme Socialismo ou White Material. O maior mérito de Mattos como crítico é justamente não estar preocupado com o que acham das preferências dele (e ele já disse que não liga se o chamamos de careta). Pois bem: o subtexto do texto dele não deixa de apresentar uma notável caretice. Se o olhar do Felipe pode ser visto com a desconfiança de certo deslumbramento com o “cinema contemporâneo” (como a ênfase do seu texto na aceitação nos festivais internacionais), o do Carlos Alberto Mattos não deixa de mostrar uma certa fobia do mesmo. Eu vivo o cinema brasileiro há quase vinte anos e neste meio tempo ele (e por ele entendam o cinema oficial brasileiro) sempre foi um dos mais retrógados do mundo. O texto do Mattos é uma faceta bem intencionada do mesmo, e o que seu texto pede é que os pirralhos o deixem em paz com seus Terra Estrangeiras e no máximo apreciando um O Céu de Suely aqui, um Mutum ali. É um olhar digno e honesto, mas é muito distante do que eu acredito.

O que pega, porém, é o que está no centro do aspecto político do embate dos dois textos. O que CAM sugere é que estes filmes do tal novíssimo cinema brasileiro foram até hoje festejados por uma suposta rede de proteção, seriam filmes intocáveis, em suma. De certa forma, é um olhar aparentado ao lançado sobre este mesmo cinema num Cinema Falado da edição 96 da Contracampo. A versão original do artigo do Felipe era justamente uma resposta a este bate papo. E é interessante notar que a primeira fala da conversa parte justamente de uma crítica à lista dos melhores filmes brasileiros da década publicada pela Revista de Cinema, instituição maior da cobertura oficial do cinema brasileiro. O discurso pró-ordem estabelecida do Carlos Alberto Mattos e o discurso radical da Contracampo se encontram na mesma recusa aos “novíssimos”, vistos por sinal sobre o mesmo olhar generalizante. Existe ali a mesma crítica à tal celebração. Sem negar o risco inevitável do oba-oba, que celebração é esta?  Pois à parte a parca cobertura existente a estes filmes – o que por sinal aumenta o valor do texto do Felipe –, a resposta crítica que ocasionalmente existe está longe de representar a tal unanimidade denunciada. Sergio Alpendre, por exemplo, que já cobriu vários festivais que incluíram estes filmes, sempre foi cético, ao ponto de, quando elogiou esta última edição de Tiradentes, o fez nos seguintes termos: “Poucos filmes fracos, uma maior quantidade de filmes bons (ainda é pouco, mas é um sinal de que os diretores jovens estão se multiplicando, chegando ao longa com mais facilidade e, conseqüentemente, com mais qualidade).” E ninguém confundiria a cobertura do Luiz Zanin para o último festival de Brasília com uma afirmação celebratória, para ficarmos num exemplo da grande imprensa.  Quem não lê a Cinética imagina que, por conta da presença do Cleber Eduardo (curador de Tiradentes) e do Eduardo Valente (curador da Semana dos Realizadores), existe alguma adesão irrestrita aos filmes “novíssimos”, mas os dois redatores (Fabio Andrade e Francis Vogner) que mais freqüentemente escrevem sobre esses filmes são provavelmente os mais céticos e críticos.

Logo concluímos que, se há uma rede de proteção a estes filmes, ela é notoriamente incompetente. Talvez o grande diferencial de olhar seja geográfico: eu sou paulistano e CAM e a Contracampo são cariocas. O tal novíssimo cinema brasileiro não existe em São Paulo, é uma briga por vezes para conseguir uma exibição solta de algum desses filmes (tem dois ou três que me interessam muito e eu nunca cheguei a ver), ao passo que no Rio não só os espaços para circular estão garantidos, mas os cineastas são muito mais visíveis, o oba-oba localizado, mais notável. Se tomarmos a bolha como um todo (o que me parece que tanto a Contracampo como o Carlos Alberto Mattos fazem), pode-se sentir a necessidade de se insurgir contra o tal consenso, mas isto é um giro em falso dentro do próprio umbigo muito maior do que qualquer coisa no texto do Felipe. Alguns anos atrás, a Contracampo publicou um artigo polemico intitulado “A publicidade venceu”, e vendo hoje a reação ao artigo do Mattos não é difícil reconhecermos que tal artigo é mesmo premonitório. Parecemos todos confundir o falar sobre os filmes – algo mais que necessário – com o material de divulgação, os manifestos e contramanifestos com textos e filmes. Chegar a este cinema – irregular e imperfeito como todo o cinema – é detalhe. E terminamos com esta imagem estranha do cineasta radical e da crítica radical abraçando o discurso do auto-intitulado crítico careta porque por uma razão ou outra politicamente convém aos três.  Diante de toda essa retórica, prefiro ficar com os filmes, sejam os bons (Os Monstros, A Falta Que Me Faz, Belair etc.) ou os mais frágeis (A Alegria, Ainda Orangotangos etc.).

Estou muito chateado com a notícia de que o Gemini vai fechar.

É o verdadeiro cinema pulistano de resistência.

Última sala pré Cinemark da cidade.

Seguia firme forte distante tanto dos cine-Bristrôs quanto do multiplex.

Sempre uma ótima opção para pegar os filmes no fim da sua carreira comercial já que geralmente só entravam lá semanas depois da estréia, até nisso era a última de sua espécie.

De tempo em tempo o Belas Artes chantagia o paulistano mendigando patrocínio enquanto ameaça fechar (patrocínio este que nunca é revertido para melhora da projeção horrorosa, poltronas, preço de ingressos, etc); o Gemini fechar é uma tragédia muito maior que passa despercebida. Jamais uma grande sala talvez, mas sempre uma sala de cinema honesta. Fara falta.

Desculpem pelos meus necessários 3 meses parados, mas o blog agora volta a atividade.

Amanhã chego ao Rio e começo a cobertura do Festival no esquema tradicional aqui do blog (cotações com comentarios curtos). Textos de mais folego devem aparecer na Cinética.

Além do visual novo devem ter algumas outras novidades daqui até o final do ano.

A série do Hawks retoma logo que a correria Festival do Rio/Mostra de São Paulo terminar, ou seja no começo de Novembro.

Paulistanos não deixem de acompanhar a Mostra John Ford. Informações no site.

Fica aqui também o link para o meu texto sobre Napoli Napoli Napoli do Abel Ferrara lá na Cinética.

A tradicional Filme Cultura publicada originalmente entre 66 e 88 está de volta. O lançamento é amanhã no Rio e ela deve logo estar a venda (a lista de pontos de venda esta disponível no site). Ainda não li a revista, mas a seleção de artigos é promissora e a iniciativa é ótima.

Sumário
Apresentação por Silvio Da-Rin
Editorial por Gustavo Dahl
Ficção e documentário – a era do híbrido por Carlos Alberto Mattos
Agora por nós mesmos por Carlos Diegues
5 x favela agora por nós mesmos – conversa entre os ‘caras da câmera’
O cinema do mal-estar por Francis Vogner dos Reis
Busca avançada: Mangue negro por Daniel Caetano
Atualizando: 3D ou não 3D por Marcelo Cajueiro
Curtas: Animação no documentário por Joana Nin
Cinema cearense por Daniel Caetano
Os frutos da audácia pernambucana por Luiz Joaquim
Cineastas baianos – o ofício que pode ser risco, cura, doença, religião…
Minas Gerais – da falácia ao pluralismo por Marcelo Miranda
Algumas luzes e sombras do cenário carioca por Daniel Caetano
Um laboratório paulistano por Filipe Furtado
Uma certa tendência do cinema gaúcho por Marcus Mello
E agora, José Eduardo (Belmonte)?
E agora, Carlos (Manga)?
Um filme: Falsa loura por Andrea Ormond e Inácio Araújo
Outro olhar: Cacilda! por João Carlos Rodrigues
Perfil: Plinio Sussekind Rocha por João Carlos Rodrigues
Cinemateca de textos: Paulo Emilio Salles Gomes
Lá e cá: Cânones e margens por Daniel Caetano
Livros: Oscarito, Grande Otelo e Ankito por João Carlos Rodrigues
Peneira digital por Carlos Alberto Mattos
Cinemabilia

1) Os figurões do cinema brasileiro não vêm filmes brasileiros (ou são completamente cegos, tanto faz).
2) O cinema brasileiro como sempre precisa ser salvo dele mesmo.

Se usarmos a tal lista de indicados como padrão não dá para escapar da conclusão que fazemos o pior cinema do mundo.

A chance de ver novos filmes de mestres como Chabrol e Resnais no mesmo dia é rara. É uma aula de mise en scene. O filme do Resnais é o mais radical dele em muito tempo cheio de imagens preciosas, mas algo na simplicidade de Bellamy contagiante. Cada vez me impressiona mais a obra recente de Chabrol. Bellamy é todo marcado por ações prosaicas em meio à trama central e há uma precisão formidável na forma como Chabrol posiciona a câmera enquanto Depardieu segue as atividades mais banais. Os filmes de Chabrol dos últimos 15 anos depuram a mise en scene como poucos em todo o cinema, escrevi certa vez que eu A Dama de Honra seria um grande filme se composto só por Benoit Magimel entrando e saindo de um carro e eu veria 5 horas de Depardieu pausando para um café desde que filmado por Chabrol.